Aquí les dejo la primera parte del análisis hecho al cuento José Destino de Antonio Delgado, que es parte del libro La hora de los unicornios, y espero que pronto les tenga también su segunda parte. Espero les agrade.
Por cierto:
“Este programa es de carácter público, no es patrocinado ni promovido por partido político alguno y sus recursos provienen de los impuestos que pagan todos los contribuyentes. Está prohibido el uso de este programa con fines políticos, electorales, de lucro y otros distintos a los establecidos. Quien haga uso indebido de los recursos de este programa deberá ser denunciado y sancionado de acuerdo con la ley aplicable y ante la autoridad competente”.
del libro La hora de los unicornios, de Antonio Delgado.
Pues a ver qué les parece esta primera aportación, que es en sí la primera presentación radial del desarrollo de mi investigación para el Instituto Tamaulipeco para la Cultura y las Artes (ITCA): "Entonces supo que nunca regresaría. Se borrarían las huellas; no el destello de las figuraciones": acercamiento a la estética y poética de Antonio Delgado a través de tres de sus obras. Y disculpen la media hora de Vivaldi; no fue idea mía -aunque la verdad es bueno-.
Por cierto:
“Este programa es de carácter público, no es patrocinado ni promovido por partido político alguno y sus recursos provienen de los impuestos que pagan todos los contribuyentes. Está prohibido el uso de este programa con fines políticos, electorales, de lucro y otros distintos a los establecidos. Quien haga uso indebido de los recursos de este programa deberá ser denunciado y sancionado de acuerdo con la ley aplicable y ante la autoridad competente”.
Post scriptum: La idea de los "comentarios" en la parte de abajo significa que quiero que comenten al respecto. El hecho de que tenga un "cero", quiere decir que no han comentado.
Calder Vasarely Huerta Gutiérrez nace en Ciudad Victoria, Tamaulipas en febrero de 1982. Su desenvolvimiento artístico inicia a temprana edad y obtiene reconocimientos de becas y concursos también desde muy chico.
Su obra formal inicia entre el año 2000 y el 2003, sus primeros semestres de licenciatura. Este período es un parte aguas en su producción, porque es en el que existe un choque entre el conocimiento adquirido previamente, sus años de preparación técnica, y el conocimiento que posteriormente irá acumulando: teorías, conocimiento de otras técnicas y otros artistas, el confrontar sus ideas a la realidad artística actual, etcétera. De este choque cultural, valga, es del que el artista empieza a madurar sus ideas y a proponerlas ya aterrizadas, y empieza a cobrar propia personalidad.
Ha expuesto de manera colectiva en al menos doce ocasiones y un par de manera individual (Fotografía / Gráfica en abril de 2006 y Calvario en 2007).
Sin título (2003) se trata de un mural de aproximadamente 1.8x2.2 metros que fue realizado en un muro del centro de Monterrey, en la esquina de Ruperto Martínez con Dr. Coss y duró tres meses intacto (sin ser rayado). Para este trabajo el artista utiliza acrílico, sobre una pared de block, y su boceto es acrílico sobre tabla-roca . Algo que cabe destacar de este trabajo es su realización sin algún tipo de permiso, a modo también de accionismo, lo cual llevó al artista a realizarlo en el menor tiempo posible. A este problema se le sumó la diferencia de absorción existente entre la tabla-roca del boceto a la pared en que se pintó el mural, que causó que tuviera que utilizar más pintura y ésta se le acabara más rápido; así como problemas logísticos como lo fue la altura del muro.
Para este trabajo el artista prefiere los colores planos, el alto contraste entre lo iluminado y lo que tiene sobra. Los dos colores utilizados son el rojo y el negro. La figura retratada es la de un soldado con su arma en la mano, y es enfatizado por el sitio en el que está (justo dando el frente a la esquina) y por la ausencia de otros elementos.
En el mural, al retratar al soldado el artista trata de denunciar la violencia, la guerra, es muy posiblemente por ello que utilice el color rojo para el fondo de la obra, y deje al negro para delimitar la dureza que representa la figura del soldado. Esto se ve reforzado por la irónica despreocupación –intencional– por dejar el fragmento “ARDE” como parte de su obra, tomado de la frase “La tarde arde” que estaba escrita previamente sobre el muro.
Sin duda alguna el haber visto el mural debió haber sido impactante para el espectador, puesto que por la escala, el espectador podría confundirlo con una persona real, que está parada estoicamente con un arma en mano. Esa es la primera impresión que da la obra, lo que impacta: la figura de un soldado disponiéndose a matar o morir.
Otro aspecto relevante de la obra es el formato que utiliza el autor: el mural. El autor toma el mural como lo hicieron en su tiempo los muralistas (valga la redundancia) y que él toma como una de sus influencias más grandes: Alfaro Sequeiros y Orozco. Ellos utilizaban el mural como una forma de denuncia a enormes voces y como algo educativo. Calder Huerta lo retoma con este mismo fin: educar, gritar a grandes voces lo que está pasando: la guerra, las matanzas, que si bien no se daban en Monterrey en aquella época, al menos sí estaban presentes en otra parte del país y del mundo. También es por ello que la palabra “ARDE” haya sido guardada como un elemento más, como un mensaje “subliminal”: arde: arden las guerras, arde que maten innecesariamente a civiles, arde que gasten millones en armamento y no puedan ayudar a países desfavorecidos económicamente, etcétera. El lado educativo de la obra no radica tanto en la imagen, sino en su mensaje, en lo que es ella misma; es decir, trata de educar a las personas a denunciar lo que se hace mal, no importando que sean los gobiernos. Educa también al exponer “cualquier parte” como medio de expresión y no sólo los lugares políticamente establecidos, o correctos (por ello la obra fue realizada en la calle y no dentro de una institución).
Hace unos cuantos días leí en la página personal de un amigo la siguiente frase, recogida de la historia de la literatura universal: "Todo el conocimiento, la totalidad de preguntas y respuestas se encuentran en el perro —Kafka”. Mi primera reacción fue pasar de largo sin atender mucho al sentido. Mi segunda e inmediata reacción fue releerlo: "Todo el conocimiento, la totalidad de preguntas y respuestas se encuentran en el perro".
La verdad no entendí el aforismo al momento (e inclusive me pregunté porqué, y cómo podría ser cierto), y hasta hoy di con la respuesta. Me la proporcionó mi perro.
Y es que es verdad, todos nuestros problemas ontológicos e incluso los metafísicos, tratamos de explicarnos con base en nosotros mismo, con base en la autocontemplación. Craso error. El perro es la medida de nuestro conocimiento en tanto que éste ha aprendido de nosotros todo lo esencial (y hasta lo superfluo) de la vida. Es, si se quiere, nuestro reflejo, nuestra explicación en palabras sencillas, nuestra proyección.
Por medio de los perros se puede conocer bien al amo: nuestras tendencias psicológicas y conductuales, nuestro grado de civilización y de coerción social, nuestras inclinaciones políticas y económicas, nuestra evidente necesidad religiosa, y hasta nuestra incesante,necia y arrogante búsqueda de La Verdad.
Existen en el mundo (o al menos en el área de literatura he sabido de varios) un sinnúmero de métodos distintos para llegar a la consumación de la creación artística.
Existe, como principio, la vaga teoría sobre la invención por medio de las Musas, hijas de Zeus y Mnemosina. Asimismo, existen escritores que afirman que la literatura es un oficio de nalgas, es decir, de una práctica constante de la escritura y de estar creando y desechando ideas. Otros, como el caso específico de Cortázar (tan sólo por mencionar a uno de los tres o cuatro que he sabido tienen esta teoría), piensan que la inspiración llega después de un período de transe, de contemplación, de pensar en todo y a la vez pensar en nada. Cortazar, a este proceso, le ha denominado “papar moscas”, porque es así, uno se sienta y pone la vista fija en una parte y de repente, ¡boom!, ahí está la idea. He leído también que “tres aspectos indispensables si se quiere abordar la profesión de escritor, [son]: leer, vivir y escribir”. Y si se quiere también están los métodos más sofisticados como el paranoico-crítico de Dalí.
Pese a que no desdeño ningunote estos métodos, que en diferentes grados me parecen interesantes, he intentado plantear a mi vez un método personal estratificado y sencillo de entender problema (es decir, del proceso de escritura, que bien podría utilizarse para entender un proceso de creación de cualquier disciplina). La propuesta no es del todo innovadora, advierto, pero sí útil al momento de esclarecer en qué parte del proceso existe la diferencia entre un artista y otro.
El método consiste en seguir los pasos básicos del método científico propuesto por Francis Bacon: observación, inducción, hipótesis, experimentación, demostración o refutación de la hipótesis, conclusiones.
La observación es un acto implícito en todo acto creativo. Para crear, es indispensable contar con un bagaje previo que pueda servir al artista al momento de su creación. Es por ello que es necesario siempre observar, estar atentos, cuidar los pequeños detalles y las grandes consecuencias.
La inducción es entendida como la extracción de un principio general de un grupo de observaciones y de experiencias particulares. En el caso de los artistas, esto refiere a crearse una propia postura respecto al mundo; una verdad y una realidad propia que es su forma de ver el mundo.
El siguiente paso es la creación de una hipótesis, es decir, el conformar una idea de cómo debe ser su creación personal, y que en ocasiones incluye una visión global del arte, de la estética, del estilo y del acto creativo. Esta hipótesis es la semilla de cada una de las obras a crear. Si dicha hipótesis se ve alterada, es lógico que la producción cambie en cierto modo.
De la hipótesis se deviene la experimentación, el ir creando e ir experimentando con elementos distintos (temas, voces narrativas, materiales, colores, dimensiones, etcétera) que con el paso del tiempo (y un sinnúmero de ajustes) llegarán a conformar la obra de arte.
La demostración o refutación de la hipótesis es un punto claro: la obra es aceptada o rechazada. Sin embargo, la diferencia radica en quién es quien la rechaza, quién es la que decide que ésta es un fracaso. Por ejemplo, se sabe que Juan Rulfo desechó una novela sin siquiera darla a su editor. De igual forma, se sabe que Juan Ramón Jiménez persiguió por muchos años la primera edición de su primer libro porque le daba vergüenza, y que cada vez que encontraba un ejemplar lo destruía. O como el caso de cientos de artistas que mueren sin publicar o exhibir su trabajo y que años después se les descubre como genios del arte.
La teoría científica en este caso se plantea como: el modo de crear las cosas. Es decir, un estilo propio y particular; estilo que distingue a un Vallejo de un García Lorca, a un Gehry de un Calatraba, y a un da Vinci de un Mondrian, y que cientos de admiradores intentarán seguir y copiar.
